Páginas de Diseño
Apóstrofes históricos del Diseño Gráfico Occidental hasta antes de la Modernidad

El origen del diseño gráfico con función de identidad comercial marca su inicio con la Revolución Industrial y, en paralelo, con el episteme victoriano que la identifica.
La designación victoriana puede ser explicada citando a Dickens y yuxtaponiendo su texto en términos pictográficos: En todo buen melodrama deben alternar las escenas trágicas con las cómicas, de la misma manera que todo jamón bien preparado ofrece una combinación regular de capas blancas y capas encarnadas, es decir que, en términos victorianos, el estilo está en mostrar lo que se es, lo que se aspira y se desea, lo que se sueña, lo que se inventa y se descubre, lo que cubre la moral y, para el contraste, lo que descubre la ostensión.

Síntesis

• 165 páginas
• 145 diagramas e ilustraciones
• Estudio Histórico del diseño gráfico y su evolución hasta antes de la modernidad del siglo XX.
o Paradigma Occidental

Capítulos

• Páginas Victorianas
o Páginas de Ostensión
o Páginas Neogóticas
• Páginas Nouveau
o Páginas Simbólicas
o Páginas Perversas
o Páginas Bohemias
o Páginas de Enjambre
o Páginas Profanas
o Páginas Sarcásticas
o Páginas Finas
o Páginas Líricas
o Páginas Catalanas
o Páginas de Moda
• Páginas Modernistas Tempranas
o Páginas Plakat
o Páginas Atroces

© 2004. Inédito.
Análisis del Victorianismo

Análisis del Victorianismo

Ya sea el objeto de consumo masivo, o el servicio como bien comercial, o el mismo individuo y su colectividad, el estilo victoriano surge como la respuesta estética de la sociedad a la industrialización. Una respuesta gráfica absorbente tanto de la luz que emana la industria, como de la oscuridad que cultiva el otro lado de la industrialización, oscuridad alimentada por el crimen, la ruina urbana y la nueva clase social avara e indulgente (“nouveau riche”). Este grupo social provoca una disminución de responsabilidad social, cívica y artística inglesa producto de la única motivación estética que gira exclusivamente por y para la riqueza, conduciendo la meta conceptual hacia una suerte de confort ilimitado en pos de una simulación hacia la clase inmediata superior. Es así como la estética popular, la del diseñador coyuntural y no de oficio, queda desprovista de todo estándar canónico y crítico y sólo se enfoca en ostentar desmedidamente, en tanto que el diseñador victoriano de oficio designa inspirado en los cánones antiguos con especial deleite en las ruinas medievales y en una paralela asimilación del arte gótico; he ahí la polaridad de luz que abrirá el espacio victoriano de orden que devendrá en el taller morrisiano-ruskiniano, y la oscuridad del estilo que encerrará un caos de contrastes y asimilaciones; en suma, la paradoja victoriana: ostensión exagerada envestida en la corpulencia del material pictográfico que gana y gratifica al ojo y, por consiguiente, revela la evidencia del alto estatus que se muestra.

Un canon diferente al de Rafael de Urbino

Un canon diferente al de Rafael de Urbino

El diseñador Arts & Crafts una vez que aprehende el objeto a designar, imprime su estilo en base al canon que lo define académico en su oficio. La ilustración y el ambiente visual en el que se la dibuja se realizan con una óptica profunda en su referente y espiritual en su representación, al contrario de la marcada mundana superficialidad del modelo de abstracción Rafaelista. El modelo va más allá de una Fornarina recursiva partiendo de ahí la diferenciación con la inclusión del prefijo antes del gran Rafael.
En el año de 1847 un número de hombres jóvenes en Londres, poetas y pintores, apasionados admiradores de Keats, instauraron el hábito de reunirse para discutir sobre la temática del arte. El resultado de tales discusiones sería el súbito despertar del filisteo público inglés (tal como lo distingue el discurso de Wilde) de su ordinaria apatía al escuchar que existía en su entorno un cuerpo de gente joven que había determinado el revolucionar la poesía y la pintura inglesas. Ellos se llamaban asimismo la hermandad pre-Rafaelista.
‘En Inglaterra, en aquella época, como ahora, era suficiente para un hombre el intentar y producir cualquier trabajo serio y bello para perder todos sus derechos como ciudadano. En adición a esto, la hermandad pre-Rafaelista (Dante Rossetti, Holman Hunt y Millais, entre otros) tenía a su favor tres cosas que el público inglés nunca perdonó: juventud, poder y entusiasmo’ .

Art Nouveau

Art Nouveau

Los signos neogóticos significaron más allá de los límites del código victoriano y reformador; los signos sucumbieron en sus formas veladas y encerradas portadoras de magia sin develar. Las derivaciones artesanales individuales de Mackmurdo o de Beardsley desviaron el curso del taller y de su canon, y lo enrumbaron hacia las puertas de lo individual y lo simbólico; el signo significó más allá de la semántica literal, el signo entonces simbolizó.
El contraste del cambio se asimiló en paradoja con lo último de lo arte-artesanal y una propuesta nueva surgió: arte-nuevo, arte de renovación fuera de las fronteras inglesas, arte aplicado a lo individual subordinando al objeto; un arte de sujetos para sujetos.
El diseñador aplicado busca el cambio usando herramientas ya probadas como la decoración y los recursos figurativos orgánicos, apelando a complejas composiciones de herencia Arts & Crafts. Retoma las influencias góticas de intrincados trazos en el formato e ilustra con renovado canon pre-rafaelista imponiendo un giro sustancial con el símbolo individual.
La innovación desbordada de cada autor inmerso en su código inconsciente y surreal; autores asimilados en la sociedad en que se mueven y contrastados por sí mismos, universales e individuales, seres que designan la alegoría de la Europa en la esquina del siglo veinte, desata un culto al símbolo que decora, descubre y vela a la vez. La innovación del arte aplicado de este estilo fin de siècle, innovación de corrientes individuales de diseño, desbordan en el primer mar designador; el Art Nouveau, el primer estilo de diseño internacional.

La mujer

La mujer

Mujeres Grasset, Mujeres Mucha, Mujeres Moser, Mujeres Mc Donald, Mujeres Cheret, Mujeres de Feuré; femme fatales; mujeres de luces, de calles, de novelas decadentes, de sueños disolutos, de cultos satánicos, de mitos y poesías, de historias mal contadas, de mitos sin ritos, de ritos sincréticos; mujeres de biografía, mujeres de inspiración.
Feminidad en el trazo manierista de todo objeto, en cada voluta o detalle ornamental, en las serifas insinuadas de las tipografías dibujadas, en la línea sutil y en la línea intrincada. Mujeres en cada flor, en cada hoja, en cada ave, en cada objeto. Androgínea mítica, mística, natural y artificial. Mujeres Lautrec en alma y trazo después, en cuerpo y alma antes. Mujeres siempre Mujeres, Mujeres Nouveau.

Jugendstil

Jugendstil

Varios movimientos y artistas secesionistas de las artes aplicadas de corte Nouveau se manifestaron en las ciudades principales del imperio en el final del siglo diecinueve (Dresde, Strasbourg, Weimar, Berlín, Darmstadt y Hagen). La secesión de Munich fue creada en 1892 y sus principales artistas fueron Habermann, Uhde, Kuehl, Zügel, Herterich, Heine, Liebermann, Hans Eduard von Berlepsch, Otto Eckmann, Olde, Trübner, Menzel, Stück, Slevogt, Hermann Obrist, Lovis Corinth, Bernhard Pankok, Richard Riemerschmid, August Endell, Josef Sattler y el afable Bruno Paul. Muchos de ellos colaboraron en la Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk (los talleres unidos por el arte en el oficio) fundada en Munich el año de 1898, agrupación que hizo al Art Nouveau su programa en curso; y en la institución privada Müncher Lehr-und Versuchs-Ateliers für Angewandte und Freie Kunst (Estudios experimentales y de enseñanza para las artes libres y aplicadas de Munich) fundada en la zona artística de Schwabing en 1902 por Hermann Obrist y Wilhelm von Debschitz; institución que pregonó la estética Nouveau Alemana hasta ya entrado el año de 1914 con un gran número de estudiantes y adeptos.

Secesión de Viena

Secesión de Viena

Un código de vida en extremo convencional es el que proyectó L’Arte Nouveau francés hacia el resto del primer mundo decimonónico; sin embargo, el vector nacionalista sólidamente definido en varios países fuera de Francia hizo del Art Nouveau una estética internacional con ribetes particulares. Lo genial de las variaciones no va en función de folclorismos ingenuos, sino de aportes simbólicos pertinentes como los que un grupo estético de plásticos y aplicados austríacos propuso para cortar con las influencias alienantes extranjeras. Se pretendió una secesión con el caduco y conservador academicismo vienés y con la estética francesa, principalmente, con lo que este grupo edificó un subcódigo Nouveau y prefiguró un futuro modernismo.

Expresionismo

Expresionismo

La fusión de una existencia afirmada de una manera orgiástica y plena, con la simbología de la medida y la contención de la forma en que la vida queda aprisionada y, por tanto negada, origina la tragedia: la TRAGEDIA en mayúsculas alegóricas pletóricas de símbolos y visceralidad. Esta pseudo representación humanística es justipreciada por un solo lector, la Moral; una moral que oscila entre la debilidad del amor y la igualdad, y la fortaleza de la pasión y la diferencia. La moral se unifica en el superhombre cuya omnipotencia es su esencia que esculpe su voluntad de poder.



El Signo de Estuardo Maldonado

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Yuma

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